Richard Serra: Monumentalidad envolvente

Por Javier León

“Viendo la obra de Velázquez me di cuenta de que quería explorar la relación entre objeto y sujeto. Quería colocar el sujeto en la percepción del movimiento de quien ve la obra. Ése fue el mayor descubrimiento de mi vida.” Richard Serra

Nacido en 1938 en San Francisco, de madre norteamericana hija de inmigrantes judíos rusos y padre español Richard Serra es en la actualidad uno de los artistas más respetados del mundo del arte, y de los más apreciados por el público en general, sus monumentales piezas de acero corten están catalogadas entre las esculturas más importantes producidas en las últimas décadas. Serra obtuvo su título en literatura inglesa en la Universidad de California, Santa Bárbara, en 1961, por estos años para mantenerse Serra trabajó en acerías, labor que lo va a influir posteriormente como artista.

Estudió pintura en la Escuela de Arte de Yale desde 1961, donde recibió clases con Phillip Guston y Josef Albers, luego en 1964, al recibir su título de maestría obtiene una beca de la Universidad de Yale que utiliza para viajar a París; estando en Europa obtiene una beca Fulbright en Florencia alargando así su permanencia. Realiza su primera exposición individual en Roma en 1966.

Ese mismo año se instala en Nueva York junto a su primera esposa la artista Nancy Graves con quien estuvo casado hasta 1970; entre su círculo de amigos por aquellos días están Carl Andre, Walter De María, Eva Hesse, Sol Lewitt y Robert Smithson. Durante aquellos años para financiar su obra inició un negocio de mudanzas de muebles y les dio empleo a Chuck Close y al compositor Philip Glass.

Recordemos aquí que tras la trágica muerte de Smithson buscando emplazamiento para su obra “Yellow Ramp” (Rampa amarilla), la artista Nancy Holt junto a Richard Serra materializaron de manera póstuma el proyecto de Smithson.

Entre 1966 y 1969, Serra realiza sus primeras esculturas experimentales, se trataba de un tipo de obra tridimensional poco convencional realizada en fibra de vidrio y caucho algunas de ellas, las más celebradas fueron las realizadas salpicando plomo fundido directamente en la pared de su estudio o de la galería.

Durante este período las obras de Serra hacían énfasis en el proceso más que en la obra acabada, de allí que junto a Joseph Kosuth y Buce Nauman puede ser catalogado como uno de los pioneros del Porcess-Art. Estas obras experimentales le valieron el reconocimiento del medio especializado.

Icónica de este período es “Verb List” (Lista de verbos), escrita en 1967 y publicada en 1971, que consiste en una lista de 84 verbos en infinitivo que recogen potenciales acciones del artista, algunas de ellas ejemplificadas luego en obra, resalta “To Lift” (Levantar) de 1967, donde una gruesa losa de goma fue sometida al calor para ser modelada de manera que el material parece que se estuviera levantando sirviendo de resumen de su acto titular.

Los verbos en infinitivo nos dicen que la obra de Serra de esta época implica la agencia del cuerpo del autor como mediador en la producción de una obra que sirve para demostrar los principios y acciones de su propia creación.

En 1968 Leo Castelli abrió el espacio expositivo alternativo, paralelo a su galería, denominado Castelli Warehouse, destinado a proposiciones más radicales, más vanguardistas; para la inauguración de este espacio Robert Morris fue el curador de la muestra inaugural “9 en la Castelli” colectiva donde fue invitado Serra a participar, realizando aquí unos de sus splashs en los que como el título sugiere el artista arrojaba el plomo fundido directamente salpicando sobre la pared y piso de la galería. Debido a los riesgos planteados por la toxicidad y el calor durante la producción de estas obras, Serra usó ropa pesada y respirador.

Uno de los asistentes del estudio de Serra por aquellos días era el compositor Philip Glass, amigo personal que participó en la producción de las primeras obras de Splash / cast, fue él quien había trabajado como plomero y le habría sugerido a Serra que utilizara el plomo. Además, en esta exposición “9 en la Castelli” mostró una lámina de plomo suspendida contra la pared por un tubo también de plomo que la aprisionaba desafiando la percepción de la gravedad rasgo que desarrollará luego en su exposición individual, en este mismo espacio a finales de 1969, donde gruesas y pesadas láminas metálicas aparecen recostadas unas a otras en equilibrio y suspendidas, además sobre algunas de ellas cilindros metálicos.

La más emblemática de esta serie de obras es “One ton prop – house of cards” (una tonelada de apoyo – casa de cartas), donde cuatro planchas metálicas se sujetan entre ellas como en un castillo de naipes. Existiendo el peligro de que pueda llegar a derrumbarse; esa sensación de precariedad estructural se convertirá en una seña de identidad del trabajo de Serra. También en 1969, el artista mostraba otra de estas salpicaduras en la paradigmática exposición de Harald Szeemann: Live In Your Head: When Attitudes Become Form, en Berna ciudad suiza.

En 1970 Serra realiza la fabulosa obra “To Encircle Base Plate Hexagram, Right Angles Inverted” (Para rodear el hexagrama de la placa base, ángulos rectos invertidos) su primera experiencia en el espacio público, las autoridades locales no le dieron oportunidad en Manhattan, pero por 250 dólares obtuvo un permiso para trabajar en una calle del Bronx, un callejón al que Serra describió como siniestro. La instalación era un círculo de chapa metálica de 26 pies de diámetro, incrustado en la superficie de la calle. A consecuencia de la locación de su emplazamiento la pieza fue poco visitada por aquel entonces, sin embargo, si recibió elogios de la crítica especializada. Por estos años, en 1972 realiza la obra “Spin Out” (Alargar) dedicada a Smithson para el Museo Kroller Muller en Otterlo, Países Bajos.

La obra de Serra ha tenido una importante acogida en Europa, realizando importantes exposiciones en galerías y museos de Italia, Alemania, Países Bajos, Suiza, Francia, Suecia, Grecia, Dinamarca, Austria, Bélgica, Reino Unido y España. También de sus obras se han realizado interesantes exposiciones en Tokio desde principios de los años ochenta y más recientemente en Qatar.

Participó en la Documenta 6 de Kassel en 1977, con la obra “Terminal”, constituida por cuatro trapezoides de más de 12 metros de altura que forman una torre, situados frente al recinto principal de exposiciones. Después de largas negociaciones, acompañadas de protestas, la ciudad de Bochum compró la obra “Terminal” y la instaló en la estación de tren de la ciudad en 1979.

Son varias las oportunidades en las que las obras de Serra han estado envueltas en polémicas, paradigmático es el caso de la obra “Tilted Arc” (Arco inclinado), un arco de acero de 3,5 metros de altura y más de 36 metros de largo instalado en la Plaza Federal de la ciudad de Nueva York en 1981; los trabajadores de los edificios que rodean el lugar se quejaron de que el muro de acero obstruía el paso a través de la plaza. En una audiencia pública en 1985 se votó que la obra debería trasladarse, Serra argumentó «Quitar la obra es destruirla», celebre declaración relacionada con la condición Site-especific de algunas propuestas artísticas, se trató de una de las polémicas más relevantes que se han suscitado en torno al arte público.

Desde los años setenta y hasta la actualidad Serra desarrolla la producción de obras generadoras de espacios; espacio en el sentido convencional: se trata de un espacio volumétrico, monumental como en la arquitectura pero que a diferencia de ésta donde el espacio está sujeto a los preceptos de la funcionalidad, las alteraciones en el espacio que producen las obras de Serra persiguen un condicionamiento de la percepción desde una perspectiva fenomenológica, sus esculturas de acero se tratan de cuerpos envolventes, sensacionales, ante los que no se puede permanecer indiferente.

“Trabajar con el acero no como elemento para construir un paisaje, sino como material de construcción en términos de masa, peso, contrapeso, capacidad de carga, carga concentrada, compresión, fricción y estática, ha estado siempre separado de la historia de la escultura. Sin embargo, ha tenido una aplicación directa en la historia de la arquitectura, la tecnología y la construcción industrial. Es la lógica de las torres, presas, silos, puentes, rascacielos, túneles…” Richard Serra

“Fulcrum” de 1987 constituida por cinco láminas de acero corten de más de 17 metros de altura cerca de la entrada oeste de la estación del metro Liverpool Street en Londres ha llegado a ser calificada como uno de los iconos de la ciudad. Las obras de Serra están producidas bajo estricta supervisión, los cálculos son realizados por ingenieros estructurales bajo cuyas especificaciones el artista desarrolla su estrategia de producción para que las piezas posean equilibrio y estabilidad. Son producidas en Alemania y el acero que se utiliza tarda entre 8 y 10 años en desarrollar su característica pátina oscura y uniforme de óxido deseada.

La obra sobre papel del artista también ha causado fascinación, sus dibujos, gráficas y trazados de bocetos de sus esculturas han sido objeto de retrospectivas en el MoMA de Nueva York y el Guggenheim de Bilbao.

Los principales promotores y comerciantes de su trabajo han sido las galerías norteamericanas Leo Castelli su primer importante promotor donde expuso consecuentemente hasta principio de los años noventa; ACE Gallery en Los Angeles durante los años setenta, y desde 1983 realizaba exposiciones en la primera galería de Larry Gagosian en Los Angeles, galería que hoy en día posee diez sedes en importantes ciudades de Estados Unidos y Europa y son los principales representares del artista.

Las obras más espectaculares de Serra en tanto al aspecto de espacio envolvente mencionado han sido las de la serie “Torqued Ellipse” (Elipse torcido) que Serra comenzó a producir a mediados de los años noventa, en ellas pudiéramos pensar cristaliza la noción de no lugar (non sites) de su amigo Robert Smithson, pero esta vez producida en el espacio urbano del museo o de la ciudad en lugar de en el suburbio o en el campo.

Ejemplares en este sentido son las obras que conforman la exposición permanente “La materia del tiempo” instalada en el Museo Guggenheim de Bilbao en una sala especialmente diseñada por el arquitecto Frank Gehry acondicionada para soportar las toneladas de acero que constituyen estas piezas.

En 2014 bajo el patrocinio de la jequesa Al Mayassa Bint Hamad Al Thani una de las personas más influyente del mundo del arte en los últimos años Richard Serra produjo un proyecto en el desierto al oeste de Qatar, a unos 60 kilómetros de la capital, Doha. La obra, denominada “East-West/West-East” (Este-Oeste/Oeste-Este), se extiende por más de un kilómetro de longitud. Consta de cuatro monumentales placas de acero: unas de 14,7 metros de altura y otras de 16,7 metros. Se inauguró coincidiendo una importante exposición de Serra en Qatar para la que realizó la obra “Passage of time” (Paso del tiempo) obra monumental parecida a la obra “Snake” (Serpiente) del Guggenheim en Bilbao.

Serra de alguna manera viene a encarnar la conclusión del debate sobre el Arte Minimalista, llevando a una mayor complejidad las formas características de este tipo de arte cuya implicación con el espacio en el que se expone es fundamental y que en la obra de este artista sobrepasa el hecho de ser testimonio conceptual para manifestarse en una vigorosa, renovada y envolvente monumentalidad.

Javier León es artista plástico y crítico de arte. IG: @javierleonccs Fb: @leonjavier

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