Premios de la Bienal de Venecia 2024

Equipo editorial de Estilo / online

La Bienal de Venecia inauguró hoy y, como es tradición, anunció los galardonados del encuentro. La Ceremonia de Entrega de Premios de la 60ª Exposición Internacional de Arte se llevó a cabo el 20 de abril de 2024, en Ca’ Giustinian. La Biennale estará abierta al público hasta el 24 de noviembre de este año.

El curador de esta edición, Adriano Pedrosa, director del Museo de Arte de Sao Paulo (MASP), es el primer latinoamericano (y del hemisferio sur del planeta) en ser invitado a curar la Biennale. El tema que decidió para ella fue Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere (extranjeros en todas partes): “El título de la 60ª Exposición Internacional de Arte proviene de una serie de obras realizadas por el colectivo Claire Fontaine, con sede en Palermo y fundado en París, desde 2004. Las obras son esculturas de neón en diferentes colores, cada una representando la expresión “Extranjeros en Todas Partes” en un número creciente de idiomas. La expresión, a su vez, se tomó del nombre de un colectivo de Turín que a principios de la década de 2000 luchó contra el racismo y la xenofobia en Italia: Stranieri Ovunque. La serie de esculturas de neón de Claire Fontaine – expuesta como una nueva instalación a gran escala en las Gaggiandre del Arsenale – actualmente contiene más de cincuenta idiomas occidentales y no occidentales, incluyendo un número de lenguas indígenas, algunas de ellas extintas.

El trasfondo de la obra es un mundo plagado de múltiples crisis relacionadas con el movimiento y la existencia de personas a través de países, naciones, territorios y fronteras. Estas crisis reflejan los peligros y las trampas del lenguaje, la traducción y la nacionalidad, a su vez resaltando las diferencias y disparidades condicionadas por la identidad, nacionalidad, raza, género, sexualidad, libertad y riqueza. En este panorama, la expresión “Extranjeros en Todas Partes” tiene varios significados. En primer lugar, significa que dondequiera que vayas y estés, siempre te encontrarás con extranjeros; ellos/nosotros estamos en todas partes. En segundo lugar, significa que sin importar dónde te encuentres, siempre eres, en verdad y en el fondo, un extranjero.

(…) Los artistas siempre han viajado y se han desplazado, bajo diversas circunstancias, a través de ciudades, países y continentes. Esto se ha acelerado aún más desde finales del siglo XX, irónicamente un período marcado por crecientes restricciones en cuanto al desalojo o desplazamiento de personas. El foco principal de la Bienal de Arte 2024 son, por tanto, los artistas que son ellos mismos extranjeros, inmigrantes, expatriados, de la diáspora, emigrados, exiliados o refugiados, particularmente aquellos que se han movido entre el Sur Global y el Norte Global. La migración y la descolonización son temas clave aquí.”

JURADO

El Jurado de la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia, estuvo compuesto por Julia Bryan-Wilson (EE.UU.), Presidenta del Jurado, Alia Swastika (Indonesia), Chika Okeke-Agulu (Nigeria), Elena Crippa (Italia) y María Inés Rodríguez (Francia/Colombia).

Julia Bryan-Wilson – Presidenta – es Profesora de Arte Contemporáneo y Estudios LGBTQ+ en la Universidad de Columbia. Sus créditos curatoriales incluyen Cecilia Vicuña: A punto de suceder (con Andrea Andersson) y Louise Nevelson: Persistencia. Es autora de Trabajadores del arte: Práctica radical en la era de la guerra de Vietnam; Deshilache: Arte y política textil (ganadora del premio ASAP Book, el premio Frank Jewett Mather y el premio Robert Motherwell Book); y La escultura de Louise Nevelson: Drag, color, unión, rostro. Bryan-Wilson fue becaria Guggenheim en 2019.

Alia Swastika es curadora e investigadora/escritora que en los últimos 10 años ha expandido su práctica hacia los temas y perspectivas de la descolonialidad y el feminismo. Se ha involucrado en diversos proyectos de descentralización del arte, reescritura de la historia del arte y fomento del activismo local. Actualmente se desempeña como Directora de la Fundación Bienal de Yogyakarta en Yogyakarta, Indonesia. Continúa sus investigaciones sobre las artistas indonesias durante el Nuevo Orden de Indonesia y cómo la política de género del régimen influyó en las prácticas de las artistas de ese período. Forma parte del equipo curatorial de la Bienal de Sharjah 16 en 2025.

Chika Okeke-Agulu es Director del Programa de Estudios Africanos, Director de la Iniciativa Africa World y Profesor Robert Schirmer de Arte y Arqueología y Estudios Afroamericanos en la Universidad de Princeton. Okeke-Agulu fue Profesor Slade de Bellas Artes en la Universidad de Oxford (2023) y es miembro de la Academia Británica. Es editor de la revista Nka: Journal of Contemporary African Art y autor de El Anatsui. The Reinvention of Sculpture (2022). Forma parte del consejo asesor del Centro de Investigación Hyundai Tate, Tate Modern.

Elena Crippa es una curadora italiana afincada en Londres. Desde 2023 es Jefa de Exposiciones en la Whitechapel Gallery de Londres. Anteriormente fue curadora principal de arte moderno y contemporáneo en la Tate Britain, donde sus exposiciones exploraron las intersecciones transnacionales y transculturales y abordaron el arte desde una perspectiva global. Sus espectáculos en la Tate incluyeron All Too Human (2018), Frank Bowling (2019), Paula Rego (2021) y el encargo de 2022 Hew Locke: The Procession.

María Inés Rodríguez es una curadora francesa colombiana, actualmente Directora de la Fundación Walter Leblanc en Bruselas y Directora Artística de Tropical Papers. Con un profundo compromiso de fomentar un diálogo entre la producción artística y los contextos históricos, políticos y sociales tanto a nivel local como global, ha defendido constantemente la interconexión del arte y sus implicaciones culturales más amplias. Fue Directora del CAPC Musée d’art Contemporain, Burdeos, Curadora General del MASP, São Paulo; Curadora Jefe del MUAC de Ciudad de México, así como del MUSAC de España y curadora invitada del Jeu de Paume de París.

LEONES Y MENCIONES

León de Oro a la Mejor Participación Nacional

AUSTRALIA por Kith and Kin
Comisario: Creative Australia
Curadora: Ellie Buttrose
Artista: Archie Moore
Sede: Giardini

En este pabellón tranquilo y poderoso, Archie Moore trabajó durante meses para dibujar a mano con tiza un monumental árbol genealógico de las Primeras Naciones. De esta manera, 65.000 años de historia (tanto registrada como perdida) se inscriben en las paredes oscuras y en el techo, invitando a los espectadores a llenar los vacíos y asimilar la fragilidad inherente a este lúgubre archivo. Flotando en un foso de agua hay registros estatales oficiales redactados, lo que refleja la intensa investigación de Moore, así como las altas tasas de encarcelamiento del pueblo de las Primeras Naciones. Esta instalación destaca por su fuerte estética, su lirismo y su invocación a la pérdida compartida de pasados ocultos. Con su inventario de miles de nombres, Moore también ofrece un rayo de esperanza para la recuperación.

kith and kin es un mapa holográfico de relaciones el cual conecta la vida y la muerte, gente y lugares, tiempo circular y lineal, en todas partes y en todo momento a un sitio para serena reflexión y remembranza.

archie moore

Mención especial a la participación nacional

REPÚBLICA DE KOSOVO por The Echoing Silences of Metal and Skin
Los ecos silenciosos del metal y la piel
Comisaria: Hana Halilaj, Galería Nacional de Kosovo
Curadora: Erëmirë Krasniqi
Artista: Doruntina Kastrati
Sede: Museo Storico Navale, Riva S. Biasio 2148

Pequeña pero potente, la instalación de Doruntina Kastrati hace referencia al trabajo industrial feminizado y al desgaste del cuerpo de las trabajadoras. Haciendo referencia tanto a las cáscaras de nuez utilizadas en las delicias turcas de fabricación industrial como a las piezas médicas utilizadas para reemplazar las rodillas de las trabajadoras que elaboran estos dulces, las elegantes esculturas de Kastrati invitan a los espectadores a interactuar con ellas. Un paisaje sonoro vibrante viaja hacia arriba a través del suelo, resonando tanto en nuestros huesos como haciendo eco en un ámbito más amplio de activismo feminista.

León de Oro al Mejor Participante en la Exposición Internacional

Colectivo Mataaho (Fundado en Aotearoa, Nueva Zelanda en 2012. Con sede en Aotearoa, Nueva Zelanda).

El Colectivo Maorí Mataaho ha creado una luminosa estructura tejida con correas que atraviesan poéticamente el espacio de la galería. Haciendo referencia a las tradiciones matrilineales de textiles con su cuna con forma de útero, la instalación es a la vez una cosmología y un refugio. Su escala impresionante es una hazaña de ingeniería que solo fue posible gracias a la fuerza y creatividad colectiva del grupo. El deslumbrante patrón de sombras proyectadas en las paredes y el suelo se remonta a técnicas ancestrales y apunta a usos futuros de dichas técnicas.

León de Plata a Joven Promesa en la Exposición Internacional

Karimah Ashadu (Londres, Reino Unido, 1985. Vive en Hamburgo, Alemania y Lagos, Nigeria).

Karimah Ashadu, con su video Machine Boys y la escultura de bronce relacionada, Wreath, da un vuelco a las suposiciones de género sobre la mirada y lo que se considera apropiado para conmemorar. Con una intimidad abrasadora, captura la vulnerabilidad de los jóvenes del norte agrario de Nigeria que han emigrado a Lagos y terminan conduciendo taxis ilegales de motos. Su lente feminista es extraordinariamente sensible e íntima, capturando la experiencia subcultural de los motociclistas así como su precariedad económica. Editada magistralmente para resaltar y a la vez criticar sutilmente la performance de la masculinidad en escena, su atención sensual a las superficies de la máquina, la carne y la tela revela la existencia marginal del motociclista.

Menciones especiales

El Jurado ha decidido otorgar dos menciones especiales a las siguientes participantes:

Samia Halaby (Jerusalén, Palestina, 1936). Vive en la ciudad de Nueva York, EE.UU. es una artista, docente y activista de larga trayectoria a quien el jurado desea honrar con una mención especial. Su compromiso con la política de la abstracción se ha casado con su atención inquebrantable al sufrimiento del pueblo palestino. Su magnífica pintura modernista en el “Nucleo Storico” de Extranjeros en Todas Partes, titulada Black is Beautiful (Negro es Hermoso), sugiere no solo la soberanía de la imaginación sino también la importancia de la solidaridad global.

La Chola Poblete (Mendoza, Argentina, 1989). Vive en Buenos Aires, Argentina. La Chola Poblete juega de manera crítica con las historias de la representación colonial desde una perspectiva indígena trans. Su arte multivalente, que incluye acuarela, tela y fotografía, resiste la exotización de las mujeres indígenas mientras insiste en el poder de la sexualidad. Se acerca a la iconografía religiosa occidental y las prácticas espirituales indígenas con un toque trans y queer, invirtiendo las relaciones de poder con piezas que hacen referencia al conocimiento ancestral de Sudamérica.

Leones de Oro al Mérito Artístico

La artista brasileña nacida en Italia Anna Maria Maiolino y la artista turca residente en París Nil Yalter han sido galardonadas con los Leones de Oro al Mérito Artístico de la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia – Stranieri Ovunque – Extranjeros en Todas Partes (Giardini y Arsenale, del 20 de abril al 24 de noviembre de 2024).

Las artistas participan por primera vez en la Bienal de Arte en 2024: Maiolino presentará una nueva obra a gran escala que continúa y amplía su serie de esculturas e instalaciones en arcilla. Yalter, por su parte, mostrará una nueva reconfiguración de su innovadora instalación “Exilio es un trabajo duro” junto a su icónica obra “Topak Ev“, ambas expuestas en la primera sala del Pabellón Central de los Giardini.

En palabras del curador de la Biennale, Adriano Pedrosa:

Esta decisión es particularmente significativa dado el título y el marco de mi exhibición, centrada como está en artistas que han viajado y migrado entre el Norte y el Sur, Europa y más allá, y viceversa. En este sentido, mi elección recae sobre dos extraordinarias mujeres artistas pioneras que también son migrantes y que encarnan de muchas maneras el espíritu de Stranieri Ovunque – Extranjeros en Todas Partes: Anna Maria Maiolino (Scalea, Italia, 1942, vive en São Paulo, Brasil), quien emigró de Italia a Sudamérica, primero a Venezuela y luego a Brasil, donde vive en la actualidad; Nil Yalter (El Cairo, Egipto, 1938, vive en París, Francia), una turca que emigró de El Cairo a Estambul y finalmente a París, donde reside.

Anna Maria Maiolino nació en Scalea, Italia, el 20 de mayo de 1942. Pocos años después de la Segunda Guerra Mundial, en 1954, emigró con su familia a Caracas, Venezuela. Allí estudió en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas, entre 1958 y 1960. En 1960, se trasladó a Río de Janeiro, Brasil, donde asistió a las clases gratuitas de pintura, escultura y grabado en xilografía de la Escola Nacional de Belas Artes. A través de la Escola de Belas Artes y de su contacto con otros artistas en Río, Maiolino se integró al reconocido movimiento artístico brasileño llamado Nova Figuração (Nueva Figuración), una reacción contra la abstracción en la década de 1960, con influencias del pop que también reflejaba el duro clima político del país durante los primeros años de la dictadura militar (1964-1985). Durante este periodo, Maiolino continuó desarrollando su lenguaje y habilidades, asistiendo a los famosos cursos de arte impartidos por el artista Ivan Serpa (1923-1973) en el Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. En 1964, realizó su primera exposición individual en la Galería G de Caracas, y en 1967 participó en la histórica exposición Nova Objetivida de Brasileira en Río de Janeiro. Entre 1968 y 1971, Maiolino estuvo en Nueva York y estudió en el Pratt Graphic Center, donde practicó la técnica del grabado en metal y la punta seca, ampliando sus horizontes artísticos para abarcar diversos medios, así como la poesía experimental. Sus pinturas de la década de 1960 son bastante radicales. Entre las décadas de 1970 y 1980, Maiolino comenzó a dedicarse al arte performativo. En 1981, llevó a cabo su impactante obra “Entrevidas”, en la que se esparcen docenas de huevos en el suelo, desafiándose a sí misma a caminar a través de ellos como un “campo minado”, teniendo en cuenta la fragilidad y precariedad del huevo, símbolo de la vida misma. A principios de la década de 1990, Maiolino comenzó a trabajar con arcilla, lo que supuso un nuevo enfoque en la expresión gestual, lo artesanal y la relación con los materiales elementales en sus esculturas y relieves, que persisten hasta la actualidad. Para la 60ª Exposición Internacional de Arte de La Biennale di Venezia, Maiolino presentó una nueva obra a gran escala que continúa y amplía su serie de esculturas e instalaciones en arcilla. Participará por primera vez en la Bienal de Arte.

Nil Yalter, artista turca nacida en El Cairo, Egipto, el 15 de enero de 1938, se trasladó a París en 1965, ciudad donde aún reside. Es ampliamente reconocida como pionera del movimiento global de arte feminista. Yalter nunca recibió educación formal en artes visuales; como artista autodidacta, ha investigado continuamente sus propias prácticas y áreas de interés, trabajando en pintura, dibujo, video, escultura e instalación. Su carrera artística comenzó en 1957 con su primera exposición en el Instituto Cultural Francés de Bombay, India. Sin embargo, fue durante la década de 1960 que profundizó en su práctica. Tras mudarse a París en 1965, el trabajo de Yalter inaugura un capítulo verdaderamente radical y pionero al comenzar a abordar temas sociales, particularmente relacionados con la inmigración y las experiencias de las mujeres, en una exploración y desarrollo únicos de las prácticas de arte conceptual. En 1973, Yalter creó la innovadora instalación “Topak Ev“, presentada en una exposición individual en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. Al año siguiente, presentó “La mujer sin cabeza”, una pieza de video clave que aborda la liberación sexual de la mujer y la objetivación orientalista de las mujeres de Oriente Medio. Otro trabajo extraordinario de este período es “La Roquette, Prison de Femmes” (realizado con Judy Blum y Nicole Croiset) de 1974, que presenta los relatos de una exconvicta de la famosa prisión de mujeres en Francia. Además, su obra “Viviendas Temporales”, exhibida por primera vez en 1977, se adentra en la vida de las trabajadoras migrantes, tal y como la cuentan las mujeres. En 1980, Yalter tuvo una proyección de video individual y una conferencia titulada “Rahime, Femme Kurde de Turquie” en el Centro Georges Pompidou de París, donde también se presentó otra obra radical suya por primera vez. La década de 1990 marcó un período de exploración creativa y reconocimiento para Yalter, durante el cual abrazó los medios digitales. Para la 60ª Exposición Internacional de Arte, Yalter presentará una nueva reconfiguración de su innovadora instalación “El exilio es un trabajo duro” junto a su icónica obra “Topak Ev” (1973), ubicada en la primera sala del Pabellón Central de los Giardini. También participará por primera vez en la Bienal de Arte.

Más sobre la Biennale

‘Very totemic and very Aboriginal’: Australia’s entry at Venice Biennale is a family tree going back 65,000 years https://www.theguardian.com/artanddesign/2024/apr/17/australia-venice-biennale-family-tree-kith-and-kin-archie-moore